von Sarah Maria Grünig, Jakob Schmidt und Clara Wolfram

Was bedeutet eigentlich Nacktheit auf der Bühne? Mit dieser Frage setzen sich Clara Wolfram, Sarah Grünig und Jakob Schmidt auseinander, die Schauspiel an der HfS Ernst Busch in Berlin studieren.

Wir haben uns viele Stunden über Themen wie Körper, Schönheitsideale, Selbstoptimierung und Scham unterhalten. Wir haben untersucht, was die genannten Themen mit unserer Gesellschaft machen. Uns wurde klar, dass diese Themen jeden Menschen betreffen und jede*r etwas dazu zu erzählen hat. Des Weiteren haben wir unseren Fokus auch auf die Theaterszene gerichtet und uns gefragt, was für körperliche Anforderungen an Schauspieler*innen nach wie vor präsent sind und welche Körper ausgeschlossen werden. Unser ca. 30 Minuten langes Projekt „HAUT – My Body is a Stage“ feierte am 23.09. in unserer Hochschule Premiere und schlug große Wellen. Die Themen, welche wir behandeln, brennen uns auf der Seele. Aber auch unseren bisherigen Zuschauer*innen, welche im Anschluss an unser Vorspiel den Drang hatten über das Gesehene zu sprechen, und welche es für wichtig hielten, dass dieses Projekt einem größeren Publikum gezeigt und weiter gespielt wird.

Was machen Gesangs- und Regiestudent*innen der Hochschule für Musik Hans Eisler und Student*innen des Fachgebiets Bühnen- und Kostümbild der weißensee kunsthochschule berlin, wenn das Thema der Musiktheaterwerkstatt „The Rape of Lucretia“ heißt und alle den Seminarschein benötigen (WiSe19/20)?

Zwei Student*innen kommentieren hier den Konflikt und die Einspruchsmöglichkeiten des Bühnen- und Kostümbildes gegen den Text. Ein weiteres Beispiel ist auf der Homepage der weißensee kunsthochschule berlin zu finden.

Bin ich Jungfrau?
Bin ich Mutter?
Bin ich Geist?

Die verlassene Poolanlagenruine eines Holidayresorts. In der Atmosphäre liegt noch eine melancholische Erinnerung an die kitschige Szenerie mit perfekten Sonnenuntergängen, die sich in den Bildschirm eingebrannt haben und als Endlosschleife weiterlaufen.

Was liegt da in der Luft? Was kriecht da in der Wanne? Was wälzt sich da im Stroh?

DEINE MACHT MIR NICHTS erzählt als theatrales Triptychon von Gott, welche als Mutter, als Meerjungfrau und als Seherin auftritt. Die mythischen Gestalten werden zu Körpern und bekommen eine Seele. Sie verhandeln Mutterschaft, Jungfräulichkeit als soziales Konstrukt und Gewalt an Frauen*körpern.

Ausgangspunkt für das Projekt war die Beschäftigung mit matriarchalen Gesellschaftsordnungen und dem neopaganistischen Konzept einer dreifaltigen Göttinnen-Gestalt. Der Text entwirft anhand von drei Mythenkosmen eine Art theatrales Triptychon, welches Frauengestalten aus Sagen untersucht und deren Erzählungen dekonstruiert. Dabei untersucht der Text, inwiefern sich die Frauen aus diesen Mythen auch als weibliche Gottesgestalten lesen und deuten lassen. Welche emanzipatorische Kraft liegt in ihren Geschichten?

Anstatt der vom Christentum vorgegebenen Trinität von Vater, Sohn und heiligem Geist, trifft das Publikum in DEINE MACHT MIR NICHTS in drei Akten auf Mutter, Jungfrau und Seherin. Immer wieder rutscht der Text dabei in Momente unserer Gegenwart und verdeutlicht dadurch, wie brisant diese mythischen Frauendarstellungen an die Realitäten von Frauen heute anknüpfen.

Fotos: Selina Laut

Der erste Akt widmet sich der Gottesmutter Maria. In der biblischen Überlieferung als Gottesgebärerin postuliert und damit auf ihre Gebärfähigkeit reduziert, verschafft sie sich hier Gehör und erhebt Anspruch auf ein Göttinnendasein, welches unabhängig von der Existenz ihres Sohnes beziehungsweise irgendeines Mannes besteht.

Der zweite Akt untersucht den Meerjungfrauenmythos. Dieser Mythos findet sich in unterschiedlichsten Variationen in vielen Kulturkreisen. Die Angst vor der weiblichen Sexualität findet in der Meerjungfrau ihre Personifikation.

Im Zentrum des dritten Aktes, steht die Prophetin Kassandra. Als Seherin, mit einem allmächtigen Wissen ausgestattet, bleibt sie ungehört und von der Gesellschaft verstoßen. Sie weigert sich ihren Körper im Tausch gegen die Seherinnen-Gabe einem Mann, Apollon, zur Verfügung zu stellen und wird damit als Unglücksbringerin verflucht.

In unserer Inszenierung trifft Mythos auf Popfeminismus. Barbies Dreamhaus auf die harte Realität.

Wir geben uns nicht zu frieden mit der Mutterrolle.

Wir geben uns nicht zu frieden mit der Nebenrolle.

Wir geben uns nicht zu frieden mit der Assistentinnen-Rolle.

Und wir waschen auch nicht eure vollgewixxte Wäsche.

MIT Nina Bruns, Alina Fluck, Sarah Schmidt
TEXT Lena Reißner
KOSTÜM Selina Laut
BÜHNE Stella Lennert
MASKE Sarah Seini
SOUND Ilkyaz Yagmur Ozkoroglu, Helena Niederstrasser
KAMERA Jürgen Hoffmann, Raica Uta Angelina, Timo Bénit
SCHNITT Stella Lennert

Inhaltswarnung: Die Inszenierung schildert sexualisierte Gewalthandlungen, die belastend und retraumatisierend sein können.

Gefördert von Interflugs, der Frauenbeauftragten der HfS Ernst Busch, dem Verein der Freunde, Förderer und Absolventen der HfS Ernst Busch, der Frauenbeauftragten der UdK Berlin und den Freunden des Studiengangs Schauspiel der UdK Berlin.

Am 20.11.2020 veranstaltete die Kommission Chancengleichheit der Weißensee Kunsthochschule einen Online-Hochschultag unter dem Titel „Beyond Wishful Thinking: Antidiskriminierung und Diversität an der Weißensee jetzt!“. Als Teil des umfangreichen Programms aus Inputs und Workshops haben die beiden Künstler*innen Camilla Goecke und Marieke Helmke ihre Soundarbeit zu sexualisierter Diskriminierung, Belästigung und Gewalt an der UdK vorgestellt. Im Critical Diversity Blog berichten sie von ihrer Arbeit und dem Entstehungsprozess.

Zwischen dem tristen „aus dem Fenster Gestarre“ und dem überdrehten YouTuber-Dasein, zwischen Brot backen und Schokolade fressen.

Ich, Sarah Maria Grünig, Schauspielstudentin an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin habe mich künstlerisch mit der Zeit der Corona-Pandemie auseinandergesetzt und dies in Form eines Kurzfilms „GretchenZwanzigZwanzig“ auf die Leinwand gebracht. Es ist ein Versuch, die klassische Figur des „Gretchens“ aus „Faust I“ ins Heute zu transportieren.

„Meine Ruh‘ ist hin, mein Herz ist schwer…“, so heißt es in „Faust I“, der wohl bekanntesten und bedeutendsten, geliebt- und von manch einem_einer Schüler:in wohl auch gehassten Tragödie von Goethe. Bei Goethe geht es um die Figur des „Dr. Heinrich Faust“, der einen Pakt mit dem Teufel „Mephisto“ eingeht und durch ihn eine Liebschaft mit dem jungen und naiven „Gretchen“ beginnt. Das Werk wäre wohl kaum eine Tragödie, wenn nicht am Ende das Mädchen stirbt- verführt und durch ihre Verliebtheit sich mehr und mehr tragisch verstrickend.

In meiner Version „GretchenZwanzigZwanzig“ steht das „Gretchen“ im Zentrum und wie es dieser jungen Frau ergeht. Besser gesagt: Wie es ihr in dieser Zeit, der Zeit von Corona und Isolation, ergangen wäre. Zwischen „Die Zeit wird mir erbärmlich lang…“ und „I’m bored in the house…“ (dem TikTok Hit in Coronazeiten), zwischen dem tristen „aus dem Fenster Gestarre“ und dem überdrehten YouTuber-Dasein, zwischen Brot backen und Schokolade fressen, zwischen heimlich unter der Bettdecke telefonieren und die Mutter vergiften, zwischen: „Himmelhochjauchzend“ und „zu Tode betrübt“ wird sich dieser 20-minütige Kurzfilm bewegen.

Für alle Kenner sei gesagt: Ja, es wird im Versmaß gesprochen! Für alle anderen: Keine Sorge, man muss weder mit dem „Faust“ vertraut sein, noch eine Affinität zur klassischen Literatur haben, um der Geschichte etwas abzugewinnen! Es reicht die eigene Erinnerung an den gerade stattgefundenen Lockdown, dazu ein Schwenk in die eigene Vergangenheit: Wie war das noch gleich, das erste „Verliebtsein“?
Wer sich doch ein bisschen über die klassische Tragödie des „Faust“ informieren will, nicht aber das ganze Buch lesen mag, dem empfehle ich „Faust to go (Goethe in 9 min)“. Eine herrliche Zusammenfassung, durch Playmobilfiguren demonstriert und erklärt! Den Link dazu gibt’s HIER.

Im Rahmen der Kooperation „Werkstatt Neue Stücke“ zwischen der UdK Berlin und der HfS „Ernst Busch“ fand am 10. Oktober 2020 die Szenische Lesung MUTTERBODEN statt. Der Text von Katharina Kern beleuchtet das Thema der häuslichen Gewalt und die über mehrere Generationen hinauswirkenden Folgen ebenjener, anhand der Lebensgeschichten dreier Generationen von Frauen: eine Großmutter, eine Mutter, eine Tochter. Im Laufe des Stückes begegnen die drei Figuren sich erstmals nach vielen Jahren wieder und verhandeln bei der Gelegenheit ihre jeweilige Perspektive auf die gemeinsame Familiengeschichte. So unvereinbar die Wahrheiten und die daraus resultierenden Entscheidungen der Figuren miteinander sind, so nachvollziehbar und folgerichtig erscheint jede einzelne den Zuschauenden. Es entspinnt sich ein Drama, welches im Verlauf Stück für Stück freilegt, auf welch unterschiedliche Art und Weise die Frauen in ihrem Leben mit Lust, Abhängigkeit, Sicherheit, Verfall, Liebe, Vertrauen, Begehren, Verantwortung, Beziehungen, Enttäuschungen und Gewalt umgehen.

Die Premiere fand an einem einzigartigen Ort statt: Ein Acker, mitten auf einem Friedhof, mitten in Berlin. Auf dem Friedhof St. Elisabeth II an der Wollankstraße entsteht seit dem Frühjahr 2020 der öffentliche Bürgergarten “ElisaBeet”. Anwohner*innen und Besucher*innen spazieren über den Friedhof und landen hinter den Gräbern auf einem Feld voller Gemüse. Diese, dem Ort inhärente Metaphorik von Tod und Erneuerung, Fruchtbarkeit und Vergänglichkeit und den sich gegenseitig bedingenden Schichten von Erde und Generationen, steht in unmittelbarer Wechselwirkung mit der Bildsprache der Textvorlage.

Fotos: Tjörvi Lederer

Beteiligte
Katharina Kern (Studiengang Szenisches Schreiben UdK)
Lara Kaiser (Studiengang Regie HfS “Ernst Busch”)
Nathalie Rosenbaum (Studiengang Regie HfS “Ernst Busch”)
Teresa Annina Korfmacher (Studiengang Schauspiel UdK)
Stephanie Amarell (Schauspielerin)
Florenze Schüssler (Schauspielerin)
Nina Ballhause (Studiengang Kostümbild UdK)
Deniz Deli (UdK Tonmeister)

KATHARINA KERN, *1996, studierte am Literaturinstitut Leipzig und studiert jetzt an der Universität der Künste szenisches Schreiben. Sie lebt in Berlin.

LARA KAISER, 1996 in Köln geboren, studierte Theaterwissenschaft und Philosophie an der Freien Universität Berlin. Davor und währenddessen arbeitete sie in der Theaterpädagogik des Badischen Staatstheaters Karlsruhe, sowie als Regiehospitantin und -assistentin in der freien Kölner
Theaterszene und an verschiedenen Berliner Theatern. Seit 2018 studiert sie Schauspielregie an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, wo sie nun nach zwei Jahren Studium mit „MUTTERBODEN“ von Katharina Kern ihr Interesse an ortsspezifischem Theater im öffentlichen Raum entdeckt hat. Weitere Punkte auf der Liste „the utopie of being regie“, die gemeinsam mit Nathalie Rosenbaum nach inspirierender Erstlings-Co-Regie-Arbeit entstanden ist, sind: die Erforschung von Maskenspiel, Objekttheater, sowie die Beantwortung der mysteriösen Frage: „Was
ist eigentlich ein Konzept?“ Lara mag Theater im Freien – wenn das nicht geht, plädiert sie für mehr Grünpflanzen auf Bühnen.

NATHALIE ROSENBAUM, 1992 in Berlin geboren. Freischaffende Tanzpädagogin und Choreografin. Seit 2018 Regiestudium an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Vorher tanzpädagogische Projekte mit Laien aller Altersklassen; meist an Berliner Kinder- und
Jugendtheatern, Schulen und Freizeiteinrichtungen. Nathalie arbeitet an der Schnittstelle von Sprache und Bewegung. In ihren Arbeiten erforscht sie die Wechselwirkung verschiedener narrativer Mittel.

TERESA ANNINA KORFMACHER, 1997 in Rheda-Wiedenbrück geboren. Seit 2018 Schauspielstudium an der Universität der Künste Berlin. Im Rahmen des Szenenstudiums arbeitete sie u.a. mit Hermann Schmidt-Rahmer zusammen. Des Weiteren spielte sie unter der Regie von Herbert Fritsch in der Produktion „Champignol wider Willen“ an der Schaubühne Berlin.

STEPHANIE AMARELL studiert seit 2016 fröhlich an der Freien Universität Berlin Theaterwissenschaft, Geschichte und Philosophie, spielt seit 2008 regelmäßig in Film-, Fernseh-, Serien-, und Hörspielproduktionen (u.a. Das Weiße Band, R: Michael Haneke; Die Familie, R: Constanze Knoche; Schwimmen, R: Luzie Loose; Dark, R: Baran Bo Odar) und wirkt ansonsten am liebsten mit in freien oder Jugendtheaterprojekten in Berlin (2016-2019 Katzelmacher am Jungen DT, R: Jessica Glause; 2021 Liebe Jelena Sergejewna, R: Jan Friedrich; 2018 AntiAntiGone am Holzmarkt, R: Fabiola Kuonen, 2020 Hamletmaschine im Haus der Statistik, R: Henry Schlage). 

FLORENZE SCHÜSSLER, Jahrgang 1991, ist freischaffende Film- und Theaterschauspielerin und lebt seit 2020 wieder in ihrer Geburtsstadt Berlin. Ihr Schauspielstudium absolvierte sie am Thomas- Bernhard- Institut der Universitat Mozarteum Salzburg, gefolgt von einem Studiojahr am Düsseldorfer Schauspielhaus und ihrem Erstengagement am Landestheater Tübingen. Bereits während ihres Studiums war sie am Deutschen Nationaltheater Weimar, am Wiener Burgtheater und
am Residenztheater München als Gast engagiert und hat u.a. mit David Bosch, Amelie Niermeyer, Andre Kaczmarcyk und Volker Losch zusammengearbeitet.

NINA BALLHAUSE, 1995 in Berlin geboren, begann nach dem Abitur die Arbeit bei Filmproduktionen im Szenen- und Kostümbild. Nach ihrem abgeschlossenen Modedesignstudium studiert sie seit  April 2020 Kostümbild an der Universität der Künste Berlin unter der Leitung von Prof. Florence von Gerkan.

DENIZ DELI, geboren 1987 in Berlin, ist staatlich geprüfter Mediengestalter in Bild und Ton und Bachelor of Music Tonmeister. Ab 2020 Studium Master of Music Tonmeister an der UdK Berlin und Bachelor of Science Informatik an der TU Berlin.

Wir bedanken uns herzlich für die Förderung und Unterstützung bei ElisaBeet – Solidarischer Lehrgarten und der Verwaltung Friedhof St. Elisabeth II, bei der Frauenbeauftragten der UdK, der Frauenbeauftragten der HfS und dem Verein der Freunde, Förderer und Absolventen der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin e.V..

Mein Chef am Arbeitsplatz: „Frauen müssen jung und schön sein.“ Auf dem Weg nachts von der Bushaltestelle zurück nach Hause raunt mir einer zu: „Hm, geil, ficken?“ Ständig die Angst im Nacken, dass mehr passiert. Mehr als die Worte. Übertreibe ich? Übertreiben wir? Wenn doch Frauen* scheinbar immer noch das gleiche Problem haben: „Warum ändern die das denn nicht?“ Was wäre, wenn es keine sexuelle Belästigung und sexualisierte Gewalt gäbe? Diese Frage stellen wir, das Kollektiv TsaDiEli, uns in „Missing Ms N.N.“ Wir zeigen nach künstlerischer Auseinandersetzung mit Berichten, Geschichten über sexuelle Belästigung und sexualisierte Gewalt ebenso wie wir respektvoll traumatische Erfahrungen von Frauen* auf die Bühne bringen. Wir wollen euch, unsere Zuschauer*innen, einladen ebenfalls darüber nachzudenken und einen Diskussionsraum schaffen.

Fotos: Ronald Spratte und Davide Di Palo

Biografien:

Davide Di Palo ist Regisseur, Theaterpädagoge BuT®️ und Schauspieler. Er hat Theaterwissenschaft mit Schwerpunkt Theaterpädagogik in Turin studiert. Als Schauspieler hat er mit der italienischen Theaterform der Commedia dell´Arte angefangen und sich in Projekten des klassischen und des zeitgenössischen Theaters sowie Tanztheater und Butoh Dance beteiligt. In 2019 hat er den Verein „common ground e.V.“ gegründet, ein Zusammenschluss von Theatermacher*innen, Tänzer*innen, Choreograph*innen, Anti-Bias Trainer*innen, die in internationalen Kontexten Projekte entwickeln.

Frederika Tsai ist eine interdisziplinär agierende Theatermacherin, Kuratorin und Performerin. Engagements führten sie an verschiedene deutsche Kulturhäuser, u. a. Festspielhaus Baden-Baden, Theater Ulm sowie Deutscher Oper am Rhein. Seit 2017 arbeitete sie freischaffend und realisierte bis dato diverse Projekte in Deutschland und Taiwan, u. A. Leonard Bernsteins Candide (Regie, taiwanesische Erstaufführung im National Kaohsiung Center for the Arts, Kaohsiung/Taiwan, 2018), Lena Chens Poseur (Regie, Uraufführung im English Theatre Berlin, 2019), Verfilmung von Aunt Tiger (Dramaturgie und Übersetzung Taiwanisch/Deutsch/English für Quanxiyuan Puppet Theater in Taipei/Taiwan, 2020), Asian Drag Takeover (ADT) (Co-Kuratorin, Düsseldorfer Schauspielhaus, Spielzeit 2020/21) und Asian Performing Art Lab (APAL) (Co-Kuratorin, Berliner Ringtheater, Spielzeit 2020/21). Zusammen mit Davide Di Palo und Hannah Elischer gründete sie 2019 das Theaterkollektiv „TsaDiEli“, das sich mit gesellschaftskritischen Themen beschäftigt, u. A. Missing Ms N.N. (2019, Wiederaufnahme 2021). Seit der Spielzeit 2020/21 arbeitet sie als Dramaturgiereferentin am Maxim Gorki Theater.

Die deutsche Schauspielerin Hannah Elischer lebt in Berlin und arbeitet deutschlandweit. Sie experimentiert gerne und arbeitet oft interdisziplinär: Sie spielt auf der Bühne sowie in Filmproduktionen. Agiert im Musiktheater und im Sprechtheater. Um sich umfassender mit anderen Theaterbereichen zu befassen begann sie 2019 „zeitgenössische Puppenspielkunst“ an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch zu studieren. Dort lernt sie zur Zeit verschiedene Puppenarten kennen und sie technisch präzise zu führen.

Zum Internationalen Tag gegen Gewalt an Frauen setzen die Berliner Hochschulen ein sichtbares Zeichen gegen Gewalt an Frauen und hissen am 25. November die vom Berliner Senat entworfenen Flagge „Berlin sagt nein zu Gewalt gegen Frauen!“. Zudem werden im Laufe des Tages künstlerische Projekte von Studierenden der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, der Weißensee Kunsthochschule und der Universität der Künste auf dem Blog vorgestellt.

Mehr Infos zum Internationalen Tag gegen Gewalt an Frauen sind auf den Seiten der UdK Berlin, der HfS Ernst Busch und der Weißensee Kunsthochschule zu finden.